Universos de posibilidades: Arte/Libro

Del 27 noviembre al 16 abril 2022

 

Universos de posibilidades: Arte/Libro

Las obras de arte y los libros generan conocimiento. Los artistas y los escritores descubren aspectos de la realidad que luego muestran a los espectadores y a los lectores.

Cosa, contenido, fuente: el arte y el libro tienen características comunes, por eso los artistas no dejan de explorar las riquezas de ese objeto formado de páginas con saberes infinitos.

Entre esos saberes está el propio arte: en los libros se reflexiona sobre la creación artística, sobre los artistas y su obra: historia, filosofía, teoría del arte.

Es en el medio de esos espejos situados uno frente al otro ─Arte/Libro─ que los creadores de esta exposición reflexionan sobre dos universos que se mezclan para expandir sus propias posibilidades.

Las experiencias de esta reflexión se propagan en soportes que proponen en sí lecturas nuevas, propositivas y enriquecedoras.

 

Los artistas participantes

Universos de posibilidades: Arte/Libro presenta 15 proyectos artísticos que incluyen instalaciones, dibujos, pinturas, videos, libros, mural, esculturas, grabados, libros de artista, cerámica, textiles y performance.

Los artistas que participan en Universos de posibilidades: Arte/Libro viven y trabajan en Guadalajara, Puerto Vallarta, Ciudad de México, Lima y Berlín.

 

01.- Biblioforevers: Irak Morales y Joshua Jobb

 

 

La Biblioforever es el proyecto artístico-bibliotecario-editorial-colaborativo, activo en CDMX, que en 2018 comenzaron los artistas Irak Morales y Joshua Jobb, y los escritores Alfredo Márquez y Martín Esquivel "Hueso". A partir de reunir sus bibliotecas personales, así como piezas de arte, y disponerlas de manera pública, han desarrollado distintas dinámicas y estrategias artísticas que operan, accionan y practican entre la vida de ficción y la realidad cotidiana, entre la idea de biblioteca, la de taller de producción y, a veces, más o menos, la de espacio dedicado a la divulgación de proyectos de arte contemporáneo.

“Una aventura donde intentamos pensar qué es y que puede ser un espacio de artistas y qué es y que puede ser una biblioteca pública en nuestra actualidad, Biblioforevers más que ser una biblioteca pública es por decirlo de alguna manera, una "No/biblioteca", es más bien un espacio de artistas con varios montones de libres/libros, a disposición pública”, dicen los Biblioforevers, quienes además llevan la editorial Trapo’s press, la cuenta de Instagram @biblioforevers, un proyecto de residencia/habitancia de artistas, además de realizar colaboraciones y exposiciones en diversos espacios.  

Irak Morales se define como “artistx en medios híbridos, nac. segunda mitad, sig. XX, Méxica”, y afirma: “uno de los problemas centrales en mi obra es la intervención en objetos del día a día, ya sean, cotidianos, específicos, o populares, por las implicaciones generales que desarrollan y entrelazan en sus procesos de producción, distribución, consumo, desecho y reciclaje, tanto en lo sensible como en lo material, en lo político y lo económico, en lo real y en la ficción, por medio del trabajo cognitivo y manual en la elaboración de objetos y representaciones diversas, —materiales/inmateriales—, cada vez más reducidos por los procesos de reproducción de la vida contemporánea”.

Joshua Jobb (1984, Ciudad de México), dice de sí mismo: “A partir del reconocimiento del espacio público y privado mediante la caminata, los viajes, el juego, el uso del lenguaje y la observación del entorno, mi práctica artística deviene una exploración de mi imaginación y de las posibilidades que ofrecen mis alrededores en el día a día. Con recursos aparentemente sencillos, hago uso de materiales que el azar y el vagabundeo ponen en mis manos, para luego transformarlos en objetos artísticos a través de la acción mínima y la poética de lo absurdo”.

02.- Carlos Maldonado

En su pieza Cuando dibujaba, Carlos Maldonado aclara en voz baja, luego de recordar eso que hacía: “-nunca dibujé nada-“, gran ironía si se toma en cuenta que la pieza está realizada con grafito sobre tela. Si la obra tuviera que llevar un epígrafe, el artista escogería el siguiente: “Mejor lo inesperado / que lo imposible / lo imposible / cuando sucede / siempre es traumático / Lázaro volviendo como zombie / para que la gente decida / si el poema es algo o sobre algo (Boy Fracassa. “the sertón”).

Su otra pieza forma parte de esto no es un poema, una serie de dibujos. “Es algo que el dibujo aparenta no ser. Es una forma sin forma en las palabras que nos definen cómo es algo, en lugar de ser otra cosa. La realidad la inventamos y algo puede ser algo o nada. Así, las técnicas y materiales del dibujo sirven para reflexionar qué es algo, si el dibujo es algo o sobre algo”, describe.

Carlos Maldonado (Ciudad de México, 1975) Artista visual. Vive en la ciudad de Guadalajara. Su obra se desarrolla, principalmente, en la instalación, dibujo, proyectos editoriales y acciones poéticas. De su trabajo artístico ha dicho que “es una exploración del lenguaje a través de la literatura y desde la literalidad como origen lúdico desde prácticas interdisciplinares en el arte”.

Algunos proyectos y obras suyas han sido expuestos de manera colectiva o individual en galerías y museos de México, EUA, España, Argentina, Cuba, Japón, Brasil y Alemania. Parte de su trabajo en el ámbito artístico lo dedica a la docencia impartiendo cursos y talleres en escuelas y proyectos artísticos independientes. Dirige el Palacio de la Fatalidad, un proyecto de edición, publicación de libros en pequeñas ediciones artesanales, hechas a mano y que tengan que ver con la poesía, literatura en general y las artes visuales.

03.- Carlos Ranc

Carlos Ranc describe su pieza Mesóstico nacional II como “literatura mexicana con un sentido del humor similar al de Jonathan Swift; el nombre aparece al leerse como los mesósticos de John Cage”. Mesóstico (del griego μέσος, medio, y στίχος, verso) es una composición poética que lleva una palabra o frase formada con las letras medias de cada uno de sus versos, leídas verticalmente. Esa palabra clave vertical es significativa para el resto del poema. John Cage utilizó esta forma y le dio fama. Planteó varias reglas, pero los creadores posteriores, como Carlos Ranc, no tienen por qué seguirlas a pie juntillas.

Carlos Ranc es un artista visual que desarrolla su obra a partir de temas literarios o históricos y las relaciones empíricas que pueden inferirse entre ellos. Su trabajo suele cuestionar el concepto de autoría a través de diferentes mecanismos que van desde la cita hasta la apropiación, sin carecer de ironía. Lo anterior lo ha llevado a evidenciar la relatividad de lo “artístico” a través de dispositivos críticos que aspiran a ampliar el margen de acción del creador y su influencia en el mundo cotidiano.

En marzo de 2015 creó el proyecto Elegante Vagancia, una librería especializada en literatura, tanto de editoriales independientes como de libros usados (raros y primeras ediciones).

Entre sus exposiciones más importantes destacan: Al final todas las historias se confunden, Museo de Arte de Zapopan (MAZ), Guadalajara, Jalisco; An exhibition of failures, Culture Hole, Dallas, EE. UU.; Los peligros de la obediencia, Museo taller José Clemente Orozco, Guadalajara, Jalisco; Original mecánico, en el IME, Madrid, España; Oxidente en la Galería Desiré Saint Phalle, México D.F.; The luxury of self employment y Objetos para decorar en la Galería Nina Menocal, México D.F.; Pensar lo que recordamos… en el Museo Casa Barragán, México D.F.; Piso Compartido en el Espai 22, Barcelona, España; Coartadas/Alibis en el Witte de With, Rótterdam, Holanda y Zebra Crossing en la Haus der Kulturen der Welt, Berlín.

04.- Cia Rinne

“Esta frase preferiría estar en francés. O al menos en inglés británico”, se lee en la primera página del libro Sentences (Frases), de Cia Rinne. Las frases continúan página tras página: “esta frase debería hacer una impresión inequívoca”, “esta frase desearía haber sido escrita por alguien más”, “esta frase preferiría ser una imagen”, “esta frase es una cadena perpetua”, “esta frase no quiere tener nada qué ver con la frase previa”, “esta frase ha sido pensada por casi todos” …

Cia Rinne (1973, Gotemburgo, Suecia) es una escritora, poeta y artista con una inclinación natural poco común hacia los idiomas. Nacida en Suecia de una familia finlandesa y criada en Alemania, vive en Berlín. Tiene una maestría en Filosofía y ha estudiado en Fráncfort del Meno, Atenas y Helsinki. Experimentar el cambio continuo entre muchos idiomas y lugares la ayudó a crear conciencia sobre las implicaciones políticas y culturales que subyacen en los huecos sutiles y en el cambio de significados.

Para su primer libro zaroum (Helsinki, 2001), Cia mecanografió todos los textos multilingües, entrelazándolos con elementos gráficos como recuadros, dibujos, ingeniosas e irónicas preguntas de opción múltiple, transmitiendo su interés por la composición visual y el cruce de lenguajes y géneros. Una publicación con múltiples influencias visuales y conceptuales que va desde las composiciones breves de Fluxus y Dada hasta los juegos de lenguaje wittgensteinianos. Algunos años más tarde, la publicación se convirtió en el proyecto con base en la web Archives Zaroum (2008), organizado por la plataforma danesa Afsnit P y diseñado por Christian Yde Frostholm.

Su segundo poemario Notas para solistas (OEI Editör, 2009) está marcado por una forma más auditiva de abordar el lenguaje. Con un trabajo de siete años en la publicación final, esta presentación acústica la ha llevado a experimentar con la performatividad del texto, tanto en lecturas como en colaboraciones con artistas y diseñadores de sonido. La colaboración con Sebastian Eskildsen, diseñador de sonido del Teatro Real de Copenhague, dio origen a la obra sonora Sonidos para solistas (2011-12).

05.- Cynthia Gutiérrez

 

Con grafito, Cynthia escribió en el muro lo siguiente: “Un bloque, dos bloques, medio bloque, unas cuantas palabras”. Ese mensaje forma parte del proyecto Roca, lastre, polvo en el que, coordinado con otras piezas, genera una reflexión en torno a la ruina, el absurdo y el fracaso.

El trabajo de Cynthia Gutiérrez (Guadalajara, 1978) denota una búsqueda constante por analizar la memoria en distintos niveles, generando tensiones o fisuras en los esquemas establecidos. Sus reflexiones y procesos parten de situaciones de conflicto; de terrenos inestables, indefinidos, cuya vulnerabilidad permite el desplazamiento en múltiples direcciones.

A partir de fragmentos, reconfigura imágenes que alteran trayectos habituales y desestabilizan estructuras ofreciendo alternativas que operan simultáneamente entre realidad y ficción. Articula elementos históricos desde una nueva postura con cronologías distorsionadas que evidencian la imposibilidad de generar recuerdos precisos y revelan la fugacidad de la historia.

Cynthia Gutiérrez estudió la licenciatura en Artes Visuales con orientación en escultura, en Universidad de Guadalajara. Tomó el Taller de Arte Contemporáneo El Legado de Duchamp, impartido por Cristián Silva.

Entre sus exposiciones individuales más recientes se encuentran Habitar el colapso (2022), en el Museo Cabañas; Todos los siglos son un solo instante (2019), en La Tallera, Cuernavaca; No para siempre en la tierra (2019), en Proyecto Paralelo, Ciudad de México; Persisting Monuments (2017), en el SCAD Museum of Art, Savannah, Georgia, Estados Unidos; Roca, lastre, polvo (2017), en la Fundación CALOSA, Irapuato, y Paráfrasis del estrago (2016), en el Museo de Arte Raúl Anguiano, Guadalajara.

06.- Emanuel Tovar

Como libros abiertos, las Capillas de Emanuel Tovar permanecen en constante invitación a la lectura, no hay cierres, sino que son constante entrada, perímetros que intervienen el espacio y se recorren con la vista y con la imaginación.

En el video Pequeño Poema infinito (2021) presenta la acción realizada por Samuel Diz con una guitarra facsímil de la de Federico García Lorca, en una reinterpretación del homenaje de Silvestre Revueltas y la participación de Daniela Choclán con unas pinzas de corte.                                                                         

Su arte es multidisciplinario, explora y expande los límites de la escultura, el performance y la instalación. El trabajo de Emanuel Tovar (Guadalajara, 1974) construye y recrea imágenes desde un lenguaje personal y poético, sostenido casi de una belleza trágica. En ellas se contrapone lo sublime y lo cotidiano como estrategia crítica; cuerpo, espacio y objetos de la vida diaria se unen para abstraer y devolver al público -en situaciones sencillas, escenarios y vestigios que evocan paisajes y pequeñas narraciones- una reflexión constante en torno a la vida laboral y las implicaciones políticas, económicas, culturales y filosóficas que la envuelven en distintos contextos.

 A partir de materiales que se vinculan frecuentemente con el trabajo físico como barro, carbón, cemento, las obras de Tovar toman formas que cambian y se presentan en distintos estados de su (re)producción. En ocasiones, sus acciones plantean momentos de encuentro y profundidad para el espectador y devienen en escenarios o esculturas, y en otras, lo escultórico cita la huella de una performatividad encapsulada en el material y el objeto.

La obra Emanuel Tovar ha sido exhibida en distintos espacios e instituciones dentro y fuera de México. Sus exposiciones individuales más recientes son Viaje inmaterial (2017), en Páramo Galería, Guadalajara; Un surco entre la nada, en Cuadro22, Suiza, y Cualquier lugar fuera de este mundo (2016), Casa Pedregal, Ciudad de México. Ha participado en diversas muestras colectivas, entre ellas Fractured Lanscape (2021), Art and Culture Center, de Hollywood Miami, USA;  14a Edición del Festival Vervo de Performance Arte, Sao Paulo, Brasil y Courage! Near Infra Red, Rinomina Gallery, Paris, Francia.

07.- Inti García Santamaría

“Una silla verde estilo Acapulco y un póster con una imagen de una rueda de la fortuna que lee Antiguo Museo de la Poesía Contemporánea señalaban el espacio donde leerían los Monstruos de la poesía, convocados por el poeta Inti García Santamaría, el 25 de enero de 2014, en la colonia Narvarte, a las 8 PM.

“La lectura, que contó con la participación de los poetas mexicanos Nadia Mondragón, Raciel Quirino y Luis Felipe Fabre, y de la poeta argentina Valeria Meiller, comenzó un poco después de las 9 de la noche, cuando el espacio ya contaba con una audiencia atenta y dispersa por los rincones de la sala del Antiguo Museo”, narra en su blog Mara Pastor.

Ahora, años después, el escenario de esas lecturas se recrea en la galería de otra ciudad. Trasladados de la Ciudad de México a Guadalajara, los objetos están cargados de nostalgia y, sin embargo, abren la posibilidad de que la poesía vuelva a tener lugar en el ámbito que recrean.

Inti García Santamaría (Ciudad Nezahualcóyotl, 1983) Es autor de Nunca cambies. Poemas 2000-2010 (Matadero, 2017), Hasta aquí nada pudo separarme del cielo (Juan Malasuerte, 2010) y Corazoncito (Compañía, 2004), entre otros. Ha sido becario del programa Jóvenes Creadores del FONCA. Obtuvo una residencia artística en Estación Pringles, Argentina.

En 2018, su poemario Évelyn fue nombrado Libro del año en el apartado de literatura por la prestigiada revista La Tempestad, que argumentó que “en contra de las dinámicas habituales del entorno literario mexicano, el autor reconsidera los espacios cotidianos para identificar lo poético, desde la desconfianza en la propia escritura”.

08.- Javier M. Rodríguez

La secuencia de una película se materializa encima del guion que la contiene, como si todas las hojas reunidas (un libro, en realidad) propusieran una nueva lectura en la que las imágenes no tuvieran que formarse en el interior de cada lector, sino que el propio papel creara la película que él contiene para los ojos de los espectadores.  

La práctica de Javier M. Rodríguez se centra en la traducción de la imagen en movimiento. Sus video-instalaciones, así como sus esculturas o sus collages se basan en una investigación sobre la narrativa cinematográfica y las posibilidades de que ésta exista fuera de la pantalla.

Esta pieza, titulada Mamá saltó del muelle formó parte de la exposición INT. VITRINA – DÍA (2018, en la galería Arredondo Arozarena, Ciudad de México), en la que Rodríguez conjuntó una serie de obras que se relacionan temáticamente por el uso de sus recursos formales; en ellas, el tiempo del cine es materializado en papel, telas o metales y desfragmentado a la vez por medio de recortes, pliegues o la degradación material.

Javier M. Rodríguez (Guadalajara, 1980) considera la imagen-movimiento como un lenguaje, y lo cinematográfico como una forma de pensamiento. Esto le ha permitido desarrollar un cuerpo de obra bajo el concepto de cine expandido. Su trabajo puede ser entendido como una serie de estudios formales para repensar el orden del tiempo.

Sus exhibiciones individuales incluyen también Darkness at Noon (2019), Proxyco Gallery, NY; Wide (characters leave the scene) (2016), Casa Taller José Clemente Orozco, Guadalajara; La terquedad de las cosas (2015), Museo Experimental El Eco, Ciudad de México; Nada más que las horas (2013), Museo de arte de Zapopan; [AGOSTO,10.2013 - OCTUBRE,04.2013] (2013), Galería Curro, Guadalajara. En dos ocasiones ha sido acreedor a la beca FONCA - Jóvenes Creadores en 2009 Y 2012. Vive y trabaja en Guadalajara. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores.

09.- Javiera Pintocanales

Los libros de artista de Javiera Pintocanales tienen vida propia. Por ejemplo, Cardumen, realizado en colaboración con la encuadernadora Georgina Aspa. Los libros de este cardumen presentan una relación entre el pez y la letra, la que a su vez pertenece a su propio cardumen: la familia tipográfica. En cada libro, pez y letra viven una disección y presentan la equivalencia de cada una de sus partes a través de definiciones e ilustraciones tipográficas. Los libros plantean dos lecturas, por lo que pueden ser leídos al revés y al derecho; con la letra como protagonista en un sentido y, en el otro, el pez. Ambos sentidos de lectura confluyen en el centro del libro, en la estampa de un pez (grabado al aguafuerte) que realza, mediante un pop-up, la sección del pez y de la letra presentada en el libro.

Las especificaciones técnicas son una aventura creativa: seis volúmenes encuadernados tipo Bradel con tapas forradas con láminas de alga nori. Las imágenes corresponden a un grabado (aguafuerte), estampado sobre papel Creysse de 300g. Las páginas de texto están compuestas con la tipografía Garamond e impresas en inyección de tinta sobre papel Creysse de 300g. Los pop-ups fueron diseñados y cortados a mano por las autoras.  Edición de 4 ejemplares; 2 ejemplares con cubiertas de alga y grabados originales y 2 ejemplares con cubiertas en papel texturizado y la imagen del pez impresa en inyección de tinta.

La artista de origen chileno, que vive y trabaja en Puerto Vallarta, dice de sí misma:

“Especializada en el desarrollo de proyectos editoriales, tanto en la conceptualización, coordinación, diseño y producción de publicaciones y piezas impresas. Mi trabajo profesional como diseñadora editorial habita en la intersección del diseño y las artes y oficios del libro. Desarrollo libros que buscan aplicar un concepto tanto al contenido y el diseño de la página como a su materialidad, sistema de impresión y construcción del objeto.

“Soy, además, artista gráfica especializada en grabado, encuadernación y técnicas de estampación tradicionales, lo que, junto con mi formación editorial, conforma la base de mi trabajo artístico en relación al libro como obra de arte. Mi trabajo ha sido expuesto de manera colectiva e individual en España, Austria, Eslovenia, Italia, República Checa, México y Chile.

“A su vez, me dedico a la docencia de manera independiente, dando talleres en relación a las artes del libro, el diseño editorial y las técnicas de grabado e impresión orientadas a la producción de publicaciones independientes tanto para artistas visuales, fotógrafos y diseñadores”.

10.- Jorge Méndez Blake

Jorge Méndez Blake considera que Vita activa / Vita contemplativa (Como la lluvia) (2015) es importante dentro de su producción artística. En esta pieza, una edición del libro de poemas Como la lluvia, de José Emilio Pacheco, queda en la cima de un pedestal. Este hecho no es de extrañar, ya que gran parte de la obra de Méndez Blake gira en torno al universo del libro y sus ilimitadas posibilidades.

La exposición que incluyó Vita activa / Vita contemplativa (Como la lluvia) se centra en el espacio entre la lectura y la mirada. El variado cuerpo de obras de Méndez Blake dibuja conexiones entre palabra y objeto donde la literatura se materializa para constituir un nuevo ámbito de interpretación y subjetividad. A través de la traducción de textos canónicos, frases e imágenes, alude a procesos de traducción, así como negación de significado textual por condiciones arquitectónicas o diseñadas de expresión literaria.

Aunque hay referencias a la pérdida, también hay una sensación de disposición dentro de la práctica interdisciplinaria de Méndez Blake. Un único libro rojo, inaccesible en la parte superior de una estantería vacía, permite cualquier interpretación imaginable. Al ampliar los elementos marginales de un texto, otorga poder autónomo a los marcos ulteriores que construyen y ordenan nuestro patrimonio cultural.

Jorge Méndez Blake (1974, Guadalajara) es un artista que reside en Guadalajara, que trabaja en diversos medios como el dibujo, la pintura, el video, la escultura, la instalación y el performance, para argumentar las relaciones potenciales entre las obras clave de la literatura universal y el espacio, a través de la arquitectura.

Al establecer una relación especulativa con los autores y los libros, Méndez Blake juega con la capacidad poética de los objetos y las acciones, y lo que éstos pueden revelar sobre las tramas. Considera sus proyectos como capítulos, que a menudo se refieren a una sola referencia, y los numera, creando un índice de capítulos que pueden describir la obra de su vida.

El artista ha utilizado la naturaleza misma del lenguaje, las letras, las palabras y los signos diacríticos, así como el acto de escribir -en particular con una máquina de escribir- como método para componer una serie de caligramas en papel, y otras composiciones visuales

Algunas de sus exposiciones más recientes se realizaron en 2021: I will defend poetry (Defenderé la poesía), en MAI36, Zúrich; Toda letra es la última letra, en Travesía Cuatro, Madrid, y Nos sentamos, escuchamos, discutimos, en OMR, Ciudad de México.

11.- Mario Montalbetti

Mario Montalbetti, poeta y lingüista, lanzó el artefacto Cajas en 2012. Este volumen explora la relación entre el lenguaje y la dimensión espacial. Se trata a su vez de una indagación filosófica en torno al objeto, una incursión semiótica en el espacio —en el sentido de áreas y volúmenes. Pero sin duda, es una continuación de su búsqueda en el campo del sentido, la poesía y el discurso.

Una caja es un objeto tridimensional que distingue un dentro de un fuera, explica el autor; a su vez, refiere, hay diversos tipos de cajas, puede ser un sobre, un maletín, una casa. ¿Qué es lo que puede guardar, ocultar o resguardar una caja? ¿Es una foto una caja 2D? ¿Una botella, es una caja? Montalbetti da respuestas como deja interrogantes. Y así de misterioso es este libro, revelador, lúdico, divertido. Varias de las características que un proceso de aprendizaje debe mostrar.

“Hay ciertas imágenes que no se pueden evitar”. Con esta frase del lingüista suizo Ferdinand de Saussure, Mario Montabetti marca el inicio de Cajas, libro que, como señala el autor, surgió de las reflexiones originadas por la serie pictórica del mismo nombre, presentada por Mariella Agois en 2008. Luego, adelantos del discurso se presentaron en conferencias en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Lovaina-la-Nueva (Bélgica) y en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo PUCP, hasta la primera edición del libro, en 2012.

Mario Montalbetti (Lima, 1953), es doctor en Lingüística por el Massachusetts Institute of Technology (MIT). Publicó 7 libros de poesía entre 1978 y 2012, recogidos en Lejos de mí decirles (Aldvs, México 2013). Tiene otros poemarios como Simio meditando (ante una lata oxidada de aceite de oliva) (Mangos de Hacha, México, 2016) y Notas para un seminario sobre Foucault (Fondo de Cultura Económica, Lima, 2018). Selecciones de sus poemas han sido reunidas bajo los títulos En una lengua rompida (Ruido blanco, Quito, 2017) y Huir no es mejor plan (Mansalva, Buenos Aires 2017). Tiene varios libros de ensayos, entre ellos el mencionado Cajas (Fondo Editorial de la PUCP, Lima 2012), Cualquier hombre es una isla (FCE, Lima 2014), El más crudo invierno. Notas a un poema de Blanca Varela (FCE, Lima 2016) y Epiciclos, en colaboración con Marc Belderbos (Fondo Editorial PUCP, Lima 2018). Actualmente es Profesor Principal de Lingüística de la Pontificia Universidad Católica del Perú, y es miembro del consejo editorial de la revista Hueso Húmero.

“Creo que soy lingüista antes que poeta, si entendemos por lingüista alguien que está interesado primordialmente en el lenguaje más que en la literatura. Me interesa lo que el lenguaje hace con nosotros y lo que nosotros le hacemos a él. Mi impresión es que en nuestra época ese conflicto se define mejor y de manera más radical en el poema y en el ensayo. No es extraño, entonces, que haya tratado de confluir ambos acercamientos [en el libro Cajas]. Lo sigo haciendo”, responde Montalbetti a una pregunta de Carlos Vicente Castro, quien lo entrevistó recientemente.

12.- Mónica Leyva

“Tortillas de cerámica con las palabras hambre, poder y, luego, sus letras en variantes repetidas, en juegos poéticos, monemas, sílabas...”. En una entrevista con Mónica Leya, así describe Mariana Castillo la serie Hambre de poder, y continúa: “Mónica busca cambiar de soportes de escritura: dice que como artista contemporánea confecciona piezas que hablen por sí mismas, la sobreexplicación no es el camino. Esta serie consta de 40 piezas que son un poema deconstruido en tortillas de cerámica”.

“Mónica Leyva ha desarrollado un cuerpo de obra multidisciplinario, basado en la experimentación de la poesía, en relación con el cuerpo y el sonido, cuestionando con esto, la narrativa tradicional purista en la poesía y en el arte actual”, afirma Mario Wandu, quien describe la serie Hambre de poder: “está compuesta por distintos ejercicios de escritura performática que reflexionan acerca de la relación compleja entre lenguaje, arte y materialidad. El lenguaje entendido, no sólo como escritura, sino como gesto, como sonido, como mancha, como signo y como acción concreta”

Un poema inicial, escrito con sangre menstrual, “se expande y migra tomando como soporte 40 tortillas y algunos tacos realizados en cerámica, marcados con pintura en tipografía gótica. En este sentido la escritura para la artista se presenta como impronta de la acción concreta del acto de escribir, pero al mismo tiempo se presenta como una pintura expandida en distintos soportes, que puede ser leída como gesto y como mancha, abriendo un nicho de posibilidades para repensar el ejercicio de interpretación que llevan a cabo les espectadores”.

El trabajo de Mónica Leyva (Guadalajara, 1975) ha oscilado entre prácticas experimentales, textiles relacionales y prácticas gastronómicas. Está interesada en los procesos intuitivos y azarosos como fuente de creación, y ha extendido su trabajo en los últimos años a la poesía experimental, bajo el seudónimo Volta. Su trabajo ha sido presentado en distintos espacios, como el Exconvento del Carmen (Guadalajara), el Museo de la Pinacoteca (Colima), el Museo de la Ciudad (Guadalajara), el Laboratorio de Artes Variedades (Larva, Guadalajara), el Museo de las Artes Gráficas (Saltillo), el Festival de Poesía Transdisciplinar enclave (Ciudad de México), la Galería del ICBC (Tijuana), entre otros. Ha sido becaria del FECA (2006) y del CECA (2019), y obtuvo el Premio de Adquisición en la Bienal de Arte Contemporáneo BARCO en 2021.

13.- Octavio Abúndez

En As you like it (Como gustéis), Octavio Abúndez hace que la literatura y el arte se den la mano. Esta pieza pertenece a una serie de pinturas de franjas que toma diálogos del cine, con los cuales se componen nuevas conversaciones. Cada franja/color representa una película distinta. En este caso, Abúndez utilizó la frase “Todo el mundo es un escenario…”, que es dicha por Jacques/Jaime, personaje de la obra de William Shakespeare que da título a este cuadro. El artista la buscó exhaustivamente en muchos idiomas distintos, añadiendo también fragmentos literarios.

Octavio Abúndez (Monterrey, 1981) vive y trabaja en Guadalajara. Su labor artística puede comprenderse mejor si se le divide en tres diferentes áreas de exploración: la fenomenológica, la epistemológica y la topológica. Estas aproximaciones teóricas comparten el desprecio por la restricción de materiales, resultando así una experimentación estética que puede ir desde las técnicas escultóricas de mármol clásico a la fotografía o hasta la utilización de objetos cotidianos.

 

Los intereses de Abúndez a menudo se interconectan en una gama de subtemáticas de sitio específico, autorreferencia e ironía. En su práctica reciente, se ha dedicado a indagar y estudiar las propuestas utópicas de la realidad tanto física como conceptual de la sociedad actual, para entonces proponer nuevas utopías desde una postura arbitraria.

 

Sus exposiciones individuales más recientes han sido: Instructions Unclear (Galería CURRO, 2022), Schedule for the End of the World (Galería CURRO, Artsy, 2020), Facts, contradictions, puzzles an explanation and a few lies (Kohn Gallery, Los Angeles, 2019), Ship of Fools (Galería CURRO, Guadalajara, 2017), The Dream, sed de infinito. Programa Doble (Museo de Arte de Zapopan, MAZ, 2017) y El futuro no es lo que solía ser (Museo de Arte Raúl Anguiano, MURA, Guadalajara, 2015). Entre las colectivas se encuentran La casa que nos inventamos: Contemporary Art From Guadalajara (Oklahoma Contemporary, 2022), Un eco es un eco es un eco (Galería Juan Soriano, 2021), Trust, but verify (Rochester Contemporary Art Center, Rochester, 2020) e Inmanente: disoluciones en el paisaje (Oficina de Proyectos Culturales, Puerto Vallarta, 2020).

 

Ha participado en varias ferias de arte representando a las galerías CURRO (Guadalajara) y

Kohn Gallery (Los Ángeles), de las cuales destacan: Art Basel, Armory Show, ZONA MACO,

Expo Chicago, Untitled y Artissima. Pertenece al Sistema Nacional de Creadores de Arte.

 

14.- Valentina Díaz

 

 

El trabajo de Valentina Díaz se centra en la producción de tejidos y personajes que dan lugar a performances en donde la relación entre lo humano y la máquina, el tiempo emocional y el tiempo de un metrónomo, aparecen frecuentemente en fricción. El patrón constructivo del tejido configura una partitura que guía los movimientos de cada uno de los personajes, al tiempo que sirve para explorar diagramas asociados a procesos de diversa complejidad. Continuas operaciones de traducción, escenas ficticias y elementos que refuerzan los mecanismos de control del cuerpo, forman parte del sistema constructivo para entender y atravesar estados emocionales específicos.

 

“Yo utilizo la tecnología del tejido para codificar estados emocionales específicos”, afirma la artista. “Construyo la caracterización de personajes por medio de trajes que tejo con una máquina de tejer de 1960 que heredé de mi abuela. El patrón constructivo del tejido se traduce a una partitura gráfica por la acción de una máquina de escribir. La partitura guía los movimientos de los personajes que usarán los trajes en una performance. El tejido codifica en su estructura interna un lenguaje secreto: la línea genera punto y el punto se constituye como pulso del organismo que crea”.

 

Valentina Díaz explica que “la obra se construye en el diálogo entre dos máquinas obsoletas que intentan codificar un proceso emocional. La relación entre lo humano y la máquina aparece representada en la fricción entre el tiempo sensible de los cuerpos inexpertos y el tiempo mecánico de un metrónomo que dirige la performance.

 

“Continuas operaciones de traducción, escenas abstractas, movimientos de repetición variable, y elementos que refuerzan los mecanismos de control del cuerpo conforman el sistema constructivo para atravesar estados emocionales, físicos y mentales. Funciona como un ritual. Entonces ese ritual empieza en mí, en mi pensamiento, en mi cuerpo, con mi tiempo tejido y continua en otro cuerpo que se transforma en el siguiente engranaje del sistema”, dice.

 

Valentina Díaz es originaria de Tucumán, Argentina. Vive y trabaja en la Ciudad de México. Entre sus principales exposiciones se encuentran: No somos el río (El Galpón, Tucumán, 2019), /A Å Æ) A( (Squash editions, Ciudad de México, 2019), La habitación de la lengua o la lengua de la habitación (Museo Experimental el Eco, Ciudad de México, 2018), El movimiento no está en la pantalla (SOMA México, Ciudad de México, 2018), ¿Dónde estoy cuando no estoy en la realidad o en mi imaginación? (Proyecto Satélite, Museo Tamayo, Ciudad de México, 2017).

 

15.- Verónica Gerber Bicecci

 

 

“El silencio es todo lo que tememos. / Nos rendimos en una voz— / Pero el Silencio es Infinito. / Carece de rostro”, dice Emily Dickinson, poeta incluida en la antología en la que se basa la serie de dibujos Diagramas de silencio que Verónica Gerber Bicecci comenzó en 2018.

 

Están incluidos, también, poemas de Lucian Blaga, Samuel Beckett, José Ángel Valente, Radamés Molina, Eugen Gomringer, Alejandra Pizarnik, Anne Carson, John Cage, Edgar Allan Poe, Gloria Gervitz, Wislawa Szymborska y Adrienne Rich, por el momento.

 

Verónica Gerber Bicecci describe: “a partir de una breve antología de poemas sobre el silencio (que seguirá creciendo indefinidamente), realizo esta serie de traducciones visuales. Cada dibujo desnuda la estructura del texto: dibujé círculos a partir de la puntuación de cada poema incluido en la antología. Las 'comas', 'puntos', 'puntos y coma', ‘punto y seguido’, ‘punto final’ y la palabra silencio son el centro de una circunferencia que tiene asignado un tamaño, y que compone una maquinaria de fuerzas inaudibles: el silencio detrás del silencio o el silencio como forma de lectura”.

 

Verónica Gerber Bicecci (Ciudad de México, 1981) es una artista visual que escribe. Ha publicado los libros: Mudanza (2010, reedición en 2017), Conjunto vacío (2015, premio internacional Aura Estrada, premio Cálamo Otra mirada, traducido al inglés por Christina MacSweeney), Palabras migrantes (bilingüe; traducido y comentado por Christina MacSweeney), Otro día… (poemas sintéticos) y La Compañía, entre otros.

 

Algunos de sus proyectos e intervenciones visuales más recientes son: lamaquinadistopica.xyz en el Museo Arte Abstracto Manuel Felguérez, Zacatecas; En el ojo de Bambi, un cuento curatorial con obras de la colección de arte contemporáneo de La Caixa, presentado en la Whitechapel Gallery, Londres; y Descalzos los pies, los campos en ellos, sentiré al acreedor de la tierra en mis plantas desnudas en la galería Proyectos Monclova, Ciudad de México.

 

Fue seleccionada para realizar las residencias interdisciplinarias de OMI International Arts Center (EU), Ucross Foundation (EU), Santa Maddalena (Italia) y Sommerakademie im Zentrum Paul Klee (Suiza). Se graduó de la licenciatura en artes plásticas de la ENPEG, La Esmeralda, con el libro de artista Espacio negativo, y de la Maestría en Historia del Arte de la UNAM con el ensayo de investigación Manual de fotografía anónima, reconocido con una mención honorífica en el Premio Nacional de Ensayo sobre Fotografía 2014 del Centro de la imagen.

 

Ha impartido talleres de escritura visual, escritura abstracta y escritura mural, entre otros, en diversas instituciones culturales de la República Mexicana y en otros países, así como las asignaturas de teoría del arte, escritura creativa y dibujo en programas de educación artística superior en Ciudad de México y Puebla. Fue editora en la cooperativa Tumbona ediciones y tutora del Seminario de Producción Fotográfica del Centro de la Imagen. Actualmente forma parte del equipo docente de SOMA y pertenece al Sistema Nacional de Creadores de Arte.